Archive for the ‘Historia del cine’ Category

Kurt Savoy, el rey del silbido.

febrero 8, 2008

Todo el mundo sabe que las magistrales composiciones de la trilogía del dollar de Sergio Leone han sido compuestas por el gran Ennio Morricone, pero no todo el mundo sabe que los famosos silbidos que aparecen en la banda sonora de dichos títulos fueron interpretados por Curro Savoy, también conocido internacionalmente como Kurt Savoy. El músico y compositor italiano Alessandro Alessandroni (amigo de la infancia de Morricone) compuso los silbidos fantasmagóricos, los galop de guitarra y coros enigmáticos e inentendibles que complementarían las bandas sonoras de Morricone, y para interpretar los silbidos le recomendó a Curro Savoy, un joven natural de Jaén con una gran habilidad innata para el silbido, la flauta de pan y la guitarra que colaboraba con Tico Medina y contaba con el apadrinamiento artístico del periodista y escritor Enrique Rubio.

Curro Savoy lograría un gran éxito en Francia y otros países europeos gracias a la fama lograda por la banda sonora de los filmes. Aunque en España no ha sido especialmente conocido por la mayoria del público español pero es una figura popular en países como Francia, Luxemburgo, Belgica, Holanda y Alemania donde es apodado El rey del silbido. Actualmente vive y desarrolla gran parte de su trabajo en el país galo, pero colabora eventualmente en programas como Buenafuente y El show de Toni Rovira.

El prólogo americano de Por un puñado de dólares.

febrero 8, 2008

Cuando los distribuidores americanos de Por un puñado de dólares se decicieron a estrenar en los cines dicho título les pareció demasiado arriesgado que el personaje de Joe (interpretado por Clint Eastwood) actuase durante gran parte del filme únicamente por fines económicos y su gran falta de moral, pudiendo resultar su estreno perjudicado al mostrar un personaje demasiado pernicioso a lo que estaba acostumbrada la audiencia americana. Por eso les pareció conveniente rodar un prólogo que no aparecía en la versión original del filme de Leone, para la que contrataron un nuevo director y un doble de Clint Eastwood. En dicha secuencia aparecía un marshall que le da la orden al personaje de Joe (que está encarcelado) de acabar con las dos bandas, para así otorgarle una razón de peso para justificar los actos que realiza durante gran parte del título del filme.

Aquí os dejo el prólogo añadido. Atención alrededor del minuto 2:40 donde se ve un par de veces el rostro de Clint Eastwood donde se nota que las imagenes han sido cortadas y pegadas de otra secuencia.

El Chico (The Kid), de Charles Chaplin

diciembre 20, 2007

Una de las películas que mas me ha gustado siempre de Charles Chaplin es el chico, su primer largometraje y con el que hace tanto reir como llorar.

A continuación os dejo con el la película entera, fijaos en la increible actuacion del niño:

Eadweard Muybridge, El padre del movimiento.

diciembre 13, 2007

Eadweard Muybridge es un fotógrafo ingles y es la primera persona que dio movimiento a las imágenes, se podría considerar al padre del mundo del cine, antes de los hermanos Lumière, sus pequeñas obras que podían simular el movimiento de las personas causaran una gran revolución.

En 1872 un exgobernador aseguraba que durante el galope de un caballo hay un instante en el que no apoya ninguna pata, en esa época no havia ninguna forma de demostrar si eso era real, Eadweard intento fotografiar el instante pero no pudo hasta 1873 donde ideo un obturador mecánico, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y dejaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición record de 1/500 de segundo. Consiguiendo así la imagen del caballo en movimiento y ver como en realidad ese instante sí que existe.

Cuando Eadweard ya sabía como obtener sus imágenes en movimiento necesitaba un proyector para poder mostrarlas. Así que ideo el zoopraxiscopio que utilizaba la luz para proyectar imágenes secuénciales mediante el uso de un disco de cristal, algo así como pegar las fotografías en un círculo y hacerlo girar para que tenga movimiento(Es mas complicado que eso pero es para que tengamos una idea básica).

Fuente: Wikipedia y varios.

Noche y niebla, de Alain Resnais.

diciembre 1, 2007

Noche y Niebla de Alain Resnais es un documental rodado en 1955 para contar lo que sucedía en los campos de concentración durante la segunda guerra mundial. Alain Resnais fue uno de los primeros en mostrar este tipo de material al mundo, sorprendiendo por la dureza de sus imágenes y por sus criticas al mundo entero, intentando que nadie olvide lo que sucedió una vez allí.

Alain Resnais utilizo fotografías y videos de archivo reales sobre los campos de concentración, los cuales fue comparando con lo que rodó en esos mismos sitios al cabo de los años. El documental nos hace reflexionar como el paso del tiempo puede borrar las cosas, como lo que era antes un campo de concentración unos años después con la hierba crecida, podría ser perfectamente una fotografía de una Postal. Parece mentira que teniendo en cuenta la corta duración, 30 min, es capaz de transmitirnos todo el sufrimiento de las personas que tuvieron la desgracia de encontrarse allí, con un día a día terrible y el triste destino de todos ellos.

Arriba tenéis el documental entero, pero ya aviso que contiene imágenes bastante fuertes.

Wilhelm scream, de efecto de sonido a mito cinematográfico

octubre 21, 2007

Supongo que muchos de vosotros sabréis la historia del grito de Wilhelm, pero para los que no voy a hacer un breve resumen.

Todo empezó en 1951 con la película Distant Drums, en la que para una escena determinada se usó por primera vez este efecto de sonido presuntamente grabado por el actor y músico Sheb Wooley.

Mas tarde, en 1953, en la película The Charge at Feather River se usó en la escena en la que herian al soldado Wilhem. Lo que no sabían es que ese nombre iría unido a este efecto de por vida.

Este efecto se siguió usando en muchas películas durante mucho tiempo sin ocurrir nada fuera de lo normal hasta que en 1977 Ben Burtt lo convirtió en una leyenda. Buscando material para Star Wars se topó con este efecto al que llamó Pvt. Wilhelm ya que como única referencia tenía la película The Charge at Feather River, y lo usó para todas las películas en las que participó.

Posteriormente este efecto ha sido utilizado en infinidad de películas, es curioso ver los fragmentos unidos.

Un poco mas de historia para completar mi pequeño resumen:

http://www.youtube.com/watch?v=_PxALy22utc
http://en.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_scream
http://hollywoodlostandfound.net/wilhelm.html

Mujeres en el cine

agosto 14, 2007

Navengando por youtube con Dezz, encontramos este estupendo video creado por Philip, que gracias al morphing hace un rápido pero exhaustivo repaso a la historia del cine, a través de algunas de sus actrices más populares. Seguro que reconocéis a la mayoría y os sorprendéis del parecido entre algunas de ellas, donde el morphing es casi mínimo.

Si se os escapa alguna cara, a continuación tenéis la lista completa, en orden de aparición.

(more…)

Nanook, el esquimal (1922)

julio 23, 2007

nanook.jpg

Nanuk, el esquimal esta considerada la primera película documental de la historia del cine, en ella podemos ver la forma de vivir de unos esquimales al norte de Canadá, luchando contra el tiempo y sobreviviendo en un lugar que parece olvidado por dios. La historia se centra Nanuk, un cazador esquimal y su familia, mostrándonos momentos tiernos como ver los niños jugando con figuras de nieve y aprendiendo a cazar, a momentos de mas tensión como cuando Nanuk caza una Morsa, como también clases de cómo construir un iglú con ventana incluida.

Pero lo verdaderamente interesante es la historia del creador de dicho documental, Robert J. Flaherty, antes de rodar el documental el ya conocía la zona y havia convivido con los esquimales, con el tiempo se animo a llevarse una cámara para poder filmar, cuando ya tenia horas de filmación perdió todo lo que tenia grabado a causa de un incendio. En esta etapa es cuando entra la polémica, Robert J. Flaherty consiguió financiación para volver a filmar el documental, pero dicen las malas lenguas que se limito a reproducir lo que recordaba de sus anteriores grabaciones, hoy en día aun se duda si lo que vemos son momentos captados de la vida de un esquimal o estamos ante un tremendo actor, una cosa esta claro Robert J. Flaherty realizo un clásico y se avanzo a su época.

Pero sin duda lo que Robert J. Flaherty no esperaba es que la familia de esquimales falleciera al poco de acabar el documental en una fuerte tormenta, debido a este trágico suceso junto con la coincidencia con el final del documental, donde vemos a Nanuk y su familia protegiéndose de una tormenta, la prensa de la época se hizo eco y la cinta consiguió una publicidad caída del cielo.

A continuación tenéis el documental entero en ingles, no hace falta tener un nivel alto de ingles así que animo a todos a verla.

La influencia del cine en la moda

julio 23, 2007

El cine es, además de un arte y/o una industria, un referente para la mayoría de espectadores. Tiene la extraña capacidad de crear iconos con relativa facilidad y de hacer que lo que aparece en pantalla se vea de forma masiva en las calles. El cine es mímesis, imitación de la realidad, pero resulta que al final somos nosotros los que, en muchos casos, imitamos lo que vemos en el cine.

Uno de los terrenos en los que más ha influido el séptimo arte es en el mundo de la moda. Ciertas prendas, tendencias o nomenclaturas que ahora nos resultan familiares y que quizás usamos son lo que son gracias a una o varias películas, que los dieron a conocer al gran público.

La rebeca

Esta chaqueta de punto femenina, sencilla y recatada pero que pega con casi todo, debe su nombre, al menos en España, a la película Rebecca, de Alfred Hitchcock. Fue tal el impacto del filme en nuestro país que la gente empezó a pedir la prenda que llevaba en buena parte del metraje la heroína sin nombre, interpretada por la joven Joan Fontaine, por el nombre de la primera señora de Winter, culpable de la trama de la película.

El vestido a lo Marilyn

En este caso la nomenclatura no es “oficial”, pero si oficiosa y un icono lo suficientemente conocido. Si entramos en una boutique y pedimos el traje “a lo Marilyn” que hemos visto en uno de los maniquíes, la dependienta no dudará en mostrarnos ese vestido de color blanco, con cuello halter y falda evasé (y preferiblemente plisada) que deja ver las pantorrillas. Y es que la imagen de Marilyn Monroe viene fuertemente atada a esa instantanea de La tentación vive arriba, de Billy Wilder. No es, ni de largo, una de las mejores películas de Marylin o Wilder, pero esa imagen de “la chica” (otra que no tiene nombre) con la faldas levantadas a causa de los respiraderos del metro de Nueva York escandalizó, excitó o fue admirada por la mayoría de nosotros y ya forma parte de la Historia del Cine.

El corte “a lo garçon”

Aunque este peinado femenino, caracterizado por pelo muy corto “a lo chico”, se popularizó por primera vez en los años 20, con la primera revolución femenina (adiós a los corsés, a las faldas hasta los tobillos, a los grandes tocados…en fin, a todo lo que significase mujer decimonónica) vivió un gran revival en los 60, gracias al look de Jean Seberg en Al final de la escapada, de Jean-Luc Godard, con guión de él mismo y Truffaut. Eran nuevos tiempos para el cine y la moda, otras revoluciones estaban en camino (la nouvelle vague y el feminismo) y el personaje de Patricia supo combinar muy bien la feminidad (vestiditos y maquillaje ligero) con lo cómodo del look masculino (este pelo tan corto y sus combinaciones de camiseta y jeans). El resultado: en los 60 muchas chicas cortaron sus largas melenas, para desagrado de sus madres y sorpresa de sus novios.

El bikini

Ursula Andress en 007 contra el Dr. No no fue la primera que lo lució (este año se celebra el 60 aniversario de la revolucionaria prenda) pero sí que resultaría la primera visión de él para muchos (en las playas de España era impensable que una nativa lo luciera en el 62…y el mítico turismo de las suecas llegaría algo más tarde). Esa rubia espectacular saliendo cual diosa de la playa (con lo amenazante de llevar una navaja en la cadera, eso sí) se convirtió en el paradigma del lucir de esta prenda, y si pensamos en bikinis míticos, seguro que el de Andress aparece en el TOP 10 de la mayoría. Además, el modelo (sujetador balconnet y braga de cintura baja con cinturón, todo en blanco) es imitado en las tiendas incluso hoy en día, 45 años después. Otra imitación/homenaje mítico fue el de Hale Berry, en Muere otro día, película que cumplía 40 años de la saga Bond. No es lo mismo, pero el guiño era necesario.

El look disco

¡Tony Manero! Este nombre nos sugiere discotecas, luces de colores, pista reflectante y trajes de poliéster con camisas abiertas, mostrando pelo en pecho, ¿me equivoco? Cuando se estrenó Fiebre del sábado noche la música disco ya hacía furor en medio mundo, y esos looks que luce un jovencísimo y delgadísimo John Travolta se vislumbraban, pero el filme los extremó, cruzando la fina línea que separa la última moda de lo hortera. El imaginario de la farra nocturna ya no fue lo mismo desde entonces, y aún hoy se hacen homenajes a esta gloriosa época emulando el estilo y los bailes del personaje encarnado por Travolta…¡Stayin’ Alive!

Las trencitas “afro”

Bo Derek además de haber sido sexsymbol y esposa de John Derek, como la antes nombrada Ursula Andress, también tiene el mérito de haber popularizado una moda. Y es que nunca antes la mayoría de mortales habíamos visto ese exótico peinado que luce en 10, la mujer perfecta en una mujer blanca. Bo Derek demostró que este look no tenía porque ir ligado a lo afro y al pelo ébano, pues rubia como era lo lucía estupendamente. La película no es la mejor de Blake Edwards, y Bo Derek jamás salió de su encasillamiento de chica guapa y ligera de ropa (¡hasta coprotagonizó una (infumable) película con nuestra diva patria Ana Obregón!), pero hay que reconocer que gracias a 10, muchas blancas nos atrevimos a probar este peinado, antes reservado a una minoría.

Las Ray-Ban Aviator

Aunque la marca de gafas de sol Ray-Ban nació en 1937, no fue hasta el estreno de Top Gun que uno de sus modelos causó furor en el mundo. Los jóvenes querían lucir las gafas de Tom Cruise en la película, y aquel modelo que Ray-Ban diseñó en los años 30 por encargo de la Fuerza Aérea de Estados Unidos fue y es uno de los más vendidos de la historia (con pequeñas modificaciones, adaptándose a las tendencias y la aparición de nuevos materiales), temporada tras temporada (junto a las Wayfarer son el must del look de muchas celebrities).

Me dejo muchas cosas en el tintero, pero soy consciente de que ya me he extendido bastante (por no decir demasiado). Si queréis hacer más ejercicios de memoria cinéfilo-estética os recomiendo Moda y Cine, de Patricia Calefato, un estudio sobre la relación entre vestuario y dimensión social en el cine. También podéis leeros este artículo, donde se nombran otros muchos ejemplos, algunos más contemporáneos que los que he nombrado aquí, y clasificados por diferentes tipos.

Videoclips de autor: escuetas obras maestras

julio 21, 2007

Hace ya unos años The Buggles lo anunciaron: “Video killed the radio star”; y es que hoy en día la música sin un referente visual no es lo mismo. Todo artista que se precie, de Chayanne a Bjork, de Madonna a Franz Ferdinand, de Michael Bublé a Camela, de lo más comercial a lo más indie, tiene su videoclip, y si no lo tiene poco le falta.

Como en el mundo de la publicidad (un videoclip no deja de ser un video de promoción de un artista) hay de todo, y algunos de estos vídeos son pequeñas obras maestras. A esto colabora el hecho que muchos directores de cierto renombre han hecho sus pinitos en este formato, ya sea empezando en este mundillo o colaborando en él cuando ya eran artistas consagrados.

En el primer grupo encontramos a directores como Michel Gondry, al que thejosethree dedicó hace pocos días un artículo en nuestro blog. El realizador galo inició su andadura en el mundo de la imagen realizando spots publicitarios y vídeos. Esta etapa de su carrera se puede visionar (y escuchar, claro) en el DVD recopilatorio The Work of director Michel Gondry. Para muestra un botón.

Protection de Massive Attack

Un caso similar es el de los norteamericanos Spike Jonze y Charlie Kaufman (también colaborador de Gondry, en Eternal Sunshine of the Spotless Mind), conocidos por dirigir y guionizar largomentrajes de culto como Adaption o Como ser John Malkovich, pero que también experimentaron, y mucho, en los 90, con el arte del videoclip, creando obras de calidad para Beastie Boys, Bjork o The Chemical Brothers. Un ejemplo de este tándem es este video, considerado por muchos uno de los mejores de la historia del videoclip y protagonizado por un fantástico Christopher Walken, que se pega un baile que ya nos gustaría poder hacer a muchos.

Weapon of Choice de Fatboy Slim

A estos nombres se suele asociar también el de David Fincher, por considerarse que la forma de hacer videoclips de estos realizadores, influenció al cine postmoderno, y viceversa. El director de Seven, El club de la lucha o Zodiac dirigió varios videos para Madonna, para el rey del pop, Michael Jackson, Aerosmith o hasta para los Gipsy Kings. Como muestra, este estilizado videoclip para la reina de las divas del pop.

Express Yourself de Madonna

Otro tándem de lujo es el del matrimonio formado por Valerie Faris y Jonathan Dayton. Aunque se dieron a conocer por el gran público por la interesante tragicomedia Pequeña Miss Sunshine, esta pareja californiana se curtió en el arte del video musical. Han trabajado para R.E.M., Paula Abdul, Janet Jackson, Extreme, Smashing Pumpkins o Red Hot Chili Peppers. He aquí un clip para uno de los grupos con los que más colaboraron.

Perfect de Smashing Pumpkins

En el grupo de los directores ya consagrados que se lanzan a la aventura de dirigir videoclips encontramos al chino Wong Kar-wai (Happy Together, In the Mood for Love, My Blueberry Nights). Ya era conocido por el público más cinéfilo y admirado públicamente por compañeros de profesión como Quentin Tarantino cuando filmó multitud de anuncios para firmas como Motorola y un espléndido videoclip para DJ Shadow, en el que contó con uno de sus actores fetiche, Chang Chen, y, como no, con su director de fotografía favorito, el australiano Christopher Doyle y su habitual montador, William Chang.

Six Days de DJ Shadow

Otro ejemplo magistral es John Landis, ya conocido en ese época por The Blues Brothers y Un hombre lobo americano en Londres, quien dirigió el videoclip de uno de los mayores superventas de la historia del pop, y quizás uno de los clips más imitados, copiados y homenajeados.

Thriller de Michael Jackson

Este artículo sólo muestra unos pocos ejemplos de vídeos de calidad, pequeñas obras que no tienen nada que envidiarle a un largomentraje de 90 minutos. Invito a los lectores del blog a que dejen más propuestas de directores y videos que consideren magistrales.